|
Das Porträt in der Moderne
Fotografie /Fotorealismus (Fotorealismus ist eine Kunstgattung, die Malerei, Zeichnung und andere grafische Medien umfasst, in der ein Künstler eine Fotografie studiert und dann versucht, das Bild so realistisch wie möglich in einem anderen Medium wiederzugeben): Die Fotografie ersetzte die Porträtmalerei in ihrer alten Aufgabe.
Die Fotografie ermöglichte die technisch und später auch farbgetreue Wiedergabe eines Gesichtes
– der Wunsch einer breiten bürgerlichen Klasse nach einer präzisen Darstellung ihrer Wirklichkeitsvorstellung durch die Fotografie bot auch den Menschen, die ihre unverwechselbare Identität in der Porträtmalerei suchten, gewünschte Authentizität – die Künstler verzichteten nicht auf gemalte Porträts à benutzten die Fotografie als Vorbild à erforschten neue Malweisen – die Frage des Prinzips verlor sich nach Ausdrucksmitteln im 20. Ob mit Pinsel, Kamera oder etwas anderem – die Kunstgeschichte benutzte Fotografien als Reproduktionsmaterial, da sie dort selten zu finden waren – die Fotografie bewahrt die traditionelle Rolle der bildenden Kunst – behält einen Bezug zur Realität und nimmt ihre ästhetische Bedeutung aus der Interpretation dieser Realität – der Malerei: hat überwiegend Abstraktion (selbstreferentielle Gestaltung der Oberfläche als Gesamtheit von Form und Farbe ) zum Thema -Künstler interessierten sich nicht für einen be
stimmten Ausschnitt der Wirklichkeit, sondern für die genaue Umsetzung der Darstellung der Fotografie in der Malerei und der daraus resultierenden Effekte und Möglichkeiten -Vorlagen: Dias oder mehrere mit Alltagsmotiven aus ihrer Umgebung – Bezug zum Inhalt ihrer Bilder sollte neutral und möglichst objektiv sein – bevorzugte Motive mit detaillierten, spezifischen, oft reflektierenden Oberflächen -Chuck Close (Charles Thomas “Chuck” Close ist ein amerikanischer Maler und Künstler und Fotograf, der durch seine großformatigen Porträts als Fotorealist bekannt wurde) (*1940) vergrößerte Aufnahmen von Bekannten mit Raster und Spritzpistole auf meterhohen Leinwänden àKarin Thomas: Er zeigt die feinsten Details des Gesichts mit der brutalen Schärfe seiner riesigen Leinwände. Falten, Poren, Narben und Barthaare, nichts wird verschont, alles erscheint mit der Klarheit einer klinischen Analyse bis hin zum psychologischen Schock -Duane Hanson (Duane Hanson war ein amerikanischer Künstler und Bildhauer aus Minnesota) (1925 1996) = Amerikaner, lebte lange in Berlin – steht für sozialkritischen Realismus (Social Realism, eine internationale Kunstbewegung, umfasst die Arbeit von Malern, Grafikern, Fotografen und Filmemachern, die auf die Alltagsbedingungen der Arbeiterklasse und der Armen aufmerksam machen; Sozialrealisten kritisieren die sozialen Strukturen, die diese Bedingungen aufrechterhalten) in seinen Arbeiten – zeigt er mit seinen Menschentypen amerikanische Gesellschaft in ihrem politischen, sozialen und privaten Lebensstil – seine Arbeiten reichen von Selbstporträts bis zu Porträts von Rockern, von Arbeitern bis zu Drogenabhängigen, von der Durchschnittsfrau bis zur Reinigungshilfe -Cindy Sherman (Cynthia Morris “Cindy” Sherman ist eine amerikanische Fotografin und Filmregisseurin, bekannt für ihre konzeptuellen Porträts) (*1954) verwendete immer dasselbe Motiv in ihren Fotos: in Manet (1832 1883) und Renoir (1841 1919) drückt sich diese neue Beziehung in einer starken Betonung existentieller emotionaler Akzente aus -fester, schmelzender Eindruck des Augenblicks zu verdichteter Stille und stiller Existenz (Abb. 1). 20) à trägt Merkmale der Verewigung -üblicherweise beschäftigten sich impressionistische Maler mit der Landschaft -jedoch: viele Porträts wurden auch gemalt -Modelle: Familienmitglieder, Freude der Maler => relativ wenige Porträtaufträge – meist bürgerliche Auftraggeber bevorzugten traditionelle, akademische Produkte der unkonventionellen impressionistischen Malerei – Edgar Degas (Edgar Degas war ein französischer Künstler, der für seine Gemälde, Skulpturen, Drucke und Zeichnungen berühmt war) (1834 1917) verdichtet Zufälle des Augenblicks und das technisch gesehene Detail zu einer unverwechselbaren Welt der Persönlichkeit -van Gogh (1853 1890) nimmt das wichtigste Porträtgenre der Moderne vorweg. 21) àSelbstporträts = unerbittliche und leidenschaftliche Darstellung der Ich-Welt Vincent van Gogh (Vincent Willem van Gogh war ein holländischer Post-I
mpressionistischer Maler, der zu den berühmtesten und einflussreichsten Persönlichkeiten der westlichen Kunstgeschichte zählt) – (1888) – Fotografisch hergestellte Porträts schienen erstmals eine naturgetreue Wiedergabe der Physiognomie (Physiognomie (aus der Gk) (Reproduktion der Portraitfotografie im 19. Jahrhundert) zu ermöglichen. Im 19. Jahrhundert war keine eigenständige Porträtmalerei möglich ein Teilprodukt, ein Teil Diener der Porträtmalerei -gemachte Fotografien dienten als Porträtstudien des Modells für gemalte Porträts oder als direktes Bildmodell -meistens weichen zunehmende Porträtfotografien nicht von herkömmlichen Porträtposen der Malerei ab eine lang anhaltende Abhängigkeit des neuen Mediums von der Tradition der bürgerlichen Porträtmalerei des 19. Jahrhunderts entfernte sich die Kunst von oberflächlich dominanten Konventionen à weit radikaler als zuvor à so weit, dass sich die Gesellschaft in den Porträts ihrer Kunst – die Möglichkeit veristischer Porträts der Kunst aus ihrer Aufgabe des 5. Jahrhunderts, ein Menschenbild zu schaffen, verdrängt -naturalistisches Porträt erscheint vielen als Rückfall nach 1900 – verzögertes Nachleben des spät einsetzenden deutschen Impressionismus àmit Liebermann (1847 1935), Slevogt (1868 1932) und Korinth (Korinth ist eine Stadt und ehemalige Gemeinde in Korinth, Peloponnes, Griechenland ) (1858 1925) àMeister der dynamischen Modellportraits -moderne Formensprache (In Mathematik, Informatik und Linguistik ist eine Formensprache eine Reihe von Zeichenketten zusammen mit einer Reihe von Regeln, die für sie spezifisch sind) wird oft als Zerfall des menschlichen Bildes àwar kein Ziel, sondern begleitendes Phänomen dieser Malerei interpretiert (Abb. 2). 25) -Moderne Kunst versuchte nicht, mit ihren neu gefundenen formalen Ergebnissen ein neues Bildkonzept aufzubauen -Reduktion des Auftragsporträts -ästhetisch verfremdete und psychologisch erhöhte Erfassung des Menschenbildes àKünstler auf seine Person zurückgeworfen -Selbstporträt kam zu einer neuen Ausdrucksform/großen Anzahl von Selbstporträts àFixierung von psychischen oder existentiellen Zuständen àZunahme der Subjektivierung des Bildinhaltes, Konzentration auf eine Kunstform, in der der Künstler selbst zum Maß aller Dinge wird – Extreme Extreme werden mit àmagic-looking konfrontiert, expressive Bildsymbole, die von keinem Intellekt kontrolliert werden, der prähistorische Charakter àtechnisch reproduzierte Götzenmasken oder veristische Darstellungen – das Interesse an Porträts nimmt seit Ende der siebziger Jahre wieder zu – als ein Genre, das noch lange nicht lebendig war – eher eine Ausnahme vor den siebziger Jahren, John Singer Sargent (John Singer Sargent war ein amerikanischer Künstler, galt als der “führende Porträtmaler seiner Generation” für seine Beschwörungen des Luxus der Edwardianischen Ära) (1856-1925) malte schmeichelhafte Porträts der höheren Gesellschaft -realistische Darstellung = Ziel – die wichtigsten Maler: scheint zunächst nur verwundete Verzerrungen des Menschen zu bieten à innere Seelenbilder, die den Dargestellten auf seine psychischen Eigenheiten reduzieren à immer der eigenen Interpretation des Porträtisten unterworfen – Einwände, den Menschen in seiner wahren Existenz zu zeigen, führten zu Porträts monumentaler psychischer Kraft (Abb. 2).
23) – große Porträtisten wie Oskar Kokoschka (Oskar Kokoschka war ein österreichischer Künstler, Dichter und Dramatiker, bekannt für seine intensiven expressionistischen Porträts und Landschaften) (1886 1980) entwickelten einen psychologischen Realismus à spiegelt die schwierige existenzielle Situation des modernen Menschen àKokoschka schuf Porträts von Wiener Ärzten, Architekten und Künstler wie Hans Tietze (Hans Tietze war österreichischer Kunsthistoriker und Mitglied der Wiener Schule für Kunstgeschichte) und Erica Tietze-Conrad (1909) oder Professor August Forel (Auguste-Henri Forel war Schweizer Myrmekologe, Neuroanatom, Psychiater und Eugeniker, bekannt für seine Untersuchungen zur Struktur des menschlichen Gehirns und der Ameisen) (1910) – Expressionist (Expressionismus war eine modernistische Bewegung, zunächst in Poesie und Malerei, die zu Beginn des 20. Jahrhunderts in Deutschland entstanden sind) an die Seele appellieren, sind Porträts des politischen und humanitären Realismus à mit ihren Modellen àKäthe Kollwitz (1867 1945) aufrütteln und anklagen wollen, Georg Grosz (George Grosz war ein deutscher Künstler, der vor allem für seine karikativen Zeichnungen und Gemälde des Berliner Lebens in den 1920er Jahren bekannt war) (1893 1959) und Otto Dix (Wilhelm Heinrich Otto Dix war ein deutscher Maler und Grafiker, bekannt für seine rücksichtslosen und hart realistischen Darstellungen der Weimarer Gesellschaft und der Brutalität des Krieges) (1891 1969) – besonders Dix beschreibt das psychologisch vertiefte Porträt in Deutschland (Abb. 2). Bildner -heilte nichts -bestimmtes Ambiente des alten Arbeiterpaares zeigte verhärtete und hässliche Züge -bearbeitete Hände und geflicktes Sofa, das er mit größter Liebe zum Detail darstellt – im Porträt mischt sich die mit einem spitzen Pinsel präsentierte und auf die alten Meister trainierte Maltechnik mit einer neuen Sachlichkeit (Die Neue Sachlichkeit war eine Bewegung in der deutschen Kunst, die in den 1920er Jahren als Reaktion gegen den Expressionismus entstand) in der Ansicht, die geradezu prägnante -externe unterkühlte Strenge der Form mit ihrer Unmittelbarkeit und Genauigkeit = Verismus (Verismus ist die künstlerische Präferenz zeitgenössischer Alltagsgegenstände gegenüber dem Heldenhaften oder Legendenhaften in Kunst und Literatur; war ein globaler Krieg aus Europa, der vom 28. Juli 1914 bis 11. November 1918 dauerte) => Suche nach einem neuen Weltverständnis, nach einer neuen Form (1874 1930) Einer der Brückenmaler seine Bilder sind vielfältige Variationen der immer gleichen Themen: Zigeuner, junge Männer und zerbrechliche Mädchen im Bad, in der Natur, im Wald und am Wasser – allgemein vorherrschende Farben : hellgrün, pastellblau, gelb ocker, braun, grau – man könnte Bilder für Idyllen halten, aber etwas macht dem Betrachter Angst: tiefe, dunkle Augen der Dargestellten wirken geheimnisvoll, geheimnisvoll, traurig -Porträt von Marianne von Werefkin (Marianne von Werefkin, geborene Marianna Wladimirowna Werewkina…) war eine russisch-deutsch-schweizerische expressionistische Malerin) (1909) von Gabriele Münter (Gabriele Münter war eine deutsche expressionistische Malerin, die im frühen 20. Jahrhundert an der Spitze der Münchner Avantgarde stand) beispielhaft für expressionistische Porträtkunst à technische Vereinfachung mit breit gemalten, schwarz konturierten Flächen, die großzügig miteinander verbunden sind: In der Blauen Periode (Die Blaue Periode ist ein Begriff, der die Werke des spanischen Malers Pablo Picasso zwischen 1901 und 1904 bezeichnet, als er im Wesentlichen monochromatische Gemälde in Blau- und Blaugrüntönen malte, die nur gelegentlich von anderen Farben erwärmt wurden), Pablo Picasso (Pablo Ruiz y Picasso), auch bekannt als Pablo Picasso, war ein spanischer Maler, Bildhauer, Graphiker, Keramiker, Bühnenbildner, Dichter und Dramatiker, der die meiste Zeit seines erwachsenen Lebens in Frankreich verbrachte) behandelte menschliches Elend, Trauer und Einsamkeit in kalten blauen Figurenbildern – in der Rosa Periode mit Jongleuren, Künstler und Harlekin – auch mit afrikanischen Masken beschäftigt ðPicasso – Les Demoiselles ðPicasso” (1907) – charakteristisch für den analytischen Kubismus (der Kubismus ist eine avantgardistische Kunstbewegung des frühen 20. Jahrhunderts, die die europäische Malerei und Skulptur revolutionierte und verwandte Bewegungen in der Musik inspirierte, Literatur und Architektur) war die Gleichzeitigkeit verschiedener Ansichten eines Bildobjekts àmonochrome Farbgebung in Ocker- und Grautönen -insbesondere Porträts von Freunden -Bildfigur meist sitzend, Aktmalerei -neue Bildsprache verschaffte Künstlern ungeahnte Freiheit -nicht mehr an mehr oder weniger lebensechte optische Bilder gebunden -kann Modelle wie in einer stereometrischen Darstellung über die Oberfläche verteilen: aus den USA in den 1960er Jahren -Versucht, das vertraute Erscheinungsbild des Publikums zu heben -verformtes Porträt künstlerisch – die Welt der Porträts wird modisch geglättet -das vertraute Bild der behandelten Idole wird nicht berührt (Abb. 2).
mit der serigraphischen (Siebdruck-) Herstellung von Tafelbildern erkannte er erstmals die technische Reproduzierbarkeit des Kunstwerks emanzipierte es von seiner bisherigen einzigartigen Existenz -Siebdruck = Mittel zur Übertragung von Fotografien auf die Leinwand -verzichtete
handbemalte Bilder und verwendete daher nur Fotos als Ausgangsmaterial für seine Arbeiten -ausgewählte eine Serie von Porträts der 1962 verstorbenen Marilyn Monrö Foto, mit hohem Bekanntheitsgrad – der Betrachter kann an der schillernden Identität des Stars teilhaben – durch das Porträt, das er als Produkt seiner Karriere interpretierte, wird das Idol zu einem Markenartikel, dessen Massenproduktion jede Individualität verneint -Star wirkt unpersönlich und glatt auf der Leinwand, echte persönliche Gefühle bleiben hinter dem gezeigten Gesicht verborgen – der Künstler unterdrückt bewusst die Individualität des kreativen Prozesses durch Siebdruck (Siebdruck ist eine Drucktechnik, bei der ein Gewebe verwendet wird, um Farbe auf ein Substrat zu übertragen, außer in Bereichen, die durch eine Blockierschablone für die Tinte undurchlässig gemacht wurden) – – Verhindert den Eindruck der perfekt produzierten Reproduktion durch Mischen der Farben des Mehrfarbendrucks Porträts wirken lebendig und aufregend in ihrer Anonymität und kühlen Distanz – Eindruck bleibt auch bei serieller Wiederholung desselben Motivs erhalten, obwohl mehrfache Wiederholungen das Porträt der Direktheit und Intensität berauben und es leeren -Warhol verweist auf das industrielle Marketing des Stars mit technischer Reproduzierbarkeit des Sternporträts, zwingt den Betrachter, an der Wahrheit des Bildes zu zweifeln, das seit langem auf einen Mann wartet (Mimik/Gestik/Bildtext) àeine für Comics typische Sprechblase erklärt, dass das Mädchen Annahmen macht und versucht, die Abwesenheit des erwarteten Mannes zu erklären àa Vordergrund zitiert die glitzernde und glitzernde Welt des Films (Farbgebung, szenische Struktur der Umgebung) àauf den ersten Blick: Das Bild strahlt Faszination des Banalen aus hinter dem Klischee eines jungen Mädchens, das den modischen Geschmack der Zeit in Kleidung, Make-up, Frisur und Farbe verkörpert, hinter scheinbarer Oberflächlichkeit drückt sich etwas Ernsthaftes aus: ein individueller, berechtigter und vielleicht täuschender Wunsch nach Glück einer jungen Frau.