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Jackson Pollock wurde am 28.01.1912 in Cody (Wyoming (Wyoming ist ein Staat in der Bergregion der westlichen Vereinigten Staaten), USA ) geboren. Von 1929 bis 1931 studierte er an der Art Students Leagü in New York bei dem Landschaftsmaler Thomas Hart Benton (Thomas Hart Benton war ein amerikanischer Maler und Wandmaler), der seine früheren Gemälde stark beeinflusste. orientierten sich an der naturalistische Stil von Benton. Pollock akzeptierte ihn als Ersatzvater, weil sein biologischer Vater gestorben in 1933.
In den 1930er und frühen 1940er Jahren studierte er den Kubismus (der Kubismus ist eine avantgardistische Kunstrichtung des frühen 20. Jahrhunderts, die die europäische Malerei und Skulptur revolutionierte und verwandte Bewegungen in Musik, Literatur und Architektur inspirierte) Pablo Picasso (Pablo Ruiz y Picasso, auch bekannt als Pablo Picasso, war ein spanischer Maler, Bildhauer, Druckgrafiker, Keramiker und Bühnenbildner, Dichter und Dramatiker, der den größten Teil seines Erwachsenenlebens in Frankreich verbrachte) und die monumentalen Wandmalereien der Mexikaner Jose Clemente Orozco (José Clemente Orozco war ein mexikanischer Maler, der sich auf politische Wandmalereien spezialisierte, die die mexikanische Wandmalerei zusammen mit Wandmalereien von Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros und anderen begründeten) und David Alfaro Siqüiros (Muralismo), die für
seine Gemälde entscheidend waren. Pollock wurde durch die Gemälde der beiden Künstler Orozco und Picasso ermutigt, seine Emotionen und Leidenschaften ohne narrativen Inhalt direkt in künstlerische Formen umzusetzen. Jackson Pollock (Paul Jackson Pollock , professionell bekannt als Jackson Pollock , war ein amerikanischer Maler und eine wichtige Figur in der abstrakten expressionistischen Bewegung) ist ein amerikanischer Maler und gilt als der wichtigste abstrakte Expressionist in den USA . Durch seine Kunst hatte er einen erheblichen Einfluss auf die europäische Malerei. Er gehört zur Strömung der Action Painting, wo er die erlernte Technik des “Dripping” (Drip-Painting) realisierte. Seine Bilder versuchen, die widersprüchliche Opposition von Körper und Seele auszudrücken (Das Problem zwischen Geist und Körper ist die Frage, wie der menschliche Geist und Körper kausal interagieren können). Wie bei allen Action-Painting-Künstlern liegt der Fokus auf dem Produktionsprozess des Kunstwerks, wobei der Künstler selbst vollständig in den Hintergrund tritt. Da seine Bilder auch ohne eigentlichen Mittelpunkt sind und eine gleichmäßig strukturierte Oberfläche haben, spricht man auch von “Allover-Painting (Allover-Malerei bezieht sich auf die nicht-differenzielle Behandlung der Oberfläche eines zweidimensionalen Kunstwerks, z.B. eines Gemäldes)”. Pollock interessierte sich auch für die indische Kunst mit ihren mythologischen, totemistischen Zeichen und malte große, ausdrucksstarke Bilder mit einheimischen Motiven. In den späten 30er Jahren arbeitete er auch im Rahmen der so genannten Work Progress Administration. 1941 beherbergt der Kunstkritiker John Graham Pollock in der McMillen Gallery. Graham organisierte sie zusammen mit amerikanischen Künstlern wie Robert Motherwell (Robert Motherwell war ein amerikanischer Maler, Druckgrafiker und Herausgeber) und Pollocks späterer Frau Lee Krasner (Lenore “Lee” Krassner war ein amerikanischer abstrakter expressionistischer Maler in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts). Später traf Pollock die Sammlerin und Mentorin Peggy Guggenheim, die ihn 1943 in ihren Frühjahrssalon brachte. Ein Jahr später fand Pollocks erste Einzelausstellung in der Galerie “Art of this Century” von Peggy Guggenheim statt. Zu dieser Zeit war er stark vom Automatismus der Surrealisten beeinflusst. Guggenheim gab Pollock seinen finanziellen Durchbruch. Die letzte Einzelausstellung folgte 1947 im Peggy Guggenheim (Marguerite “Peggy” Guggenheim war eine amerikanische Kunstsammlerin, Boheme und Sozialistin), die im Frühjahr nach Europa zog und Pollock dann nie wieder sah, sondern von Venedig aus Ausstellungen seiner Werke im Ausland organisierte. Mit dem Wechsel zur Betty Parsons Gallery stiegen seine Preise stark an. Parsons’ bahnbrechende Einzelausstellungen zu Pollock brachten die Anerkennung, die Guggenheim für seine “Entwicklungsarbeit” empfand. Pollocks Stil begann sich zu verändern, auch unter dem Einfluss der Miró-Ausstellung im MoMA. In den späten 1940er Jahren gelang Pollock der Durchbruch mit dem ersten seiner so genannten “Tropfenbilder”, auf dem sein Ruhm auch heute noch beruht, wobei die Technik bereits von Künstlern wie André Masson oder Max Ernst angewandt wurde (Max Ernst war ein deutscher Maler, Bildhauer, Grafiker und Dichter). Hier ist das Bild kein Medium der Repräsentation mehr, sondern der Prozess seiner Entstehung wird zum Ritual. Das Produkt ist das Ergebnis einer Reihe von Gesten, die ihre Tropfspuren auf der Leinwand hinterlassen. Je kleiner die Entfernung, aus der Sie die “Tropfenbilder” betrachten, desto wahrscheinlicher ist es, dass Sie auch hier figurative Aspekte entdecken, die von Farbverwirbelungen umhüllt sind. Durch die Technik des Tropfenmalens (Tropfenmalerei ist eine Form der abstrakten Kunst, bei der Farbe auf die Leinwand getropft oder gegossen wird) will Pollock während seiner Malerei eine perfekte Spontaneität erreichen. Pollock verwendet anstelle von Bürsten Holzstücke, Messer, Kellen oder perforierte Eimer. Manchmal verdickte er die Farbe mit Sand, Glasscherben oder anderen Zusätzen. Er bläst, schüttelt, gießt und füllt die Farbe auf der Leinwand oder er lässt einfach die Farbe auf den Boden der Leinwand tropfen. Diese radikale Freigabe des Malprozesses macht die Leinwand zu einer “Arena” der Aktion. Das Loch in der Lackdose führt zu rhythmischen Strukturen, die jedoch nicht chaotisch erscheinen, da die Größe des Lochs in der Lackdose es dem Künstler ermöglicht, die genaue Bestimmung der Zusammensetzung der Farbe und des Zufalls miteinander zu steuern. So schnell sein Aufstieg auch gewesen war, so schnell schwankte er. Bis 1947 war er auf der Suche nach seinem eigenen Stil und für sich selbst. Dann drückte er sich einige Jahre lang in seiner eigenen Sprache aus – zum Teil unter dem Einfluss von Alfonso Ossorio (Alfonso Angel Yangco Ossorio war ein philippinisch-amerikanischer abstrakt-expressionistischer Künstler, der 1916 in Manila als Sohn wohlhabender philippinischer Eltern aus der Provinz Negros Occidental geboren wurde) was die Oberflächenbehandlung seiner Bilder betrifft. 1950 begann er wieder zu trinken. Im Frühjahr des folgenden Jahres beschränkte er sich auf die schwarzen und weißen Lackfarben. 1954 malte er fast nichts. Im folgenden Jahr musste er die Psychotherapie wieder aufnehmen. Am 11.08.1956 raste er betrunken in einen Baum und wurde zum Mythos. Die Preise für seine Werke explodierten. Die Legende vom Naturjungen, dem jungen Wilden (“Wild One” oder “Real Wild Child” ist ein australischer Rock-and-Roll-Song von Johnny Greenan, Johnny O’Keefe und Dave Owens) aus Wyoming, ein Bild, das er selbst gepflegt hat, wurde bereits vor Jahren in Frage gestellt. Seine Werke – Seine Absichten – Seiner Meinung nach sollten die Betrachter versuchen, das, was das Gemälde zu bieten hat, aufzunehmen und nicht die Bestätigung eines wesentlichen Inhalts oder einer vorgefassten Meinung suchen. Die Leinwand liegt auf dem Boden, weil sich Pollock auf dem Boden wohler fühlt. Er ist dann mehr als nur ein Teil des Bildes. Auf diese Weise kann er “buchstäblich im Bild sein”. Auf den ersten Blick wirken Pollocks Bilder enttäuschend, denn es herrscht eine Verwirrung der Farben ; alle Schattierungen sind miteinander vermischt, kurvenreiche Linien und Flecken sind zu sehen. Die Meinung ändert sich jedoch, wenn man das Bild genauer betrachtet. Es nimmt eine Farbspur auf, die mit den Augen verfolgt wird und einen Weg erkennbar macht. Es wird immer interessanter, diesem Weg zu folgen, da er bedeckt und mit anderen Farbspuren durchzogen ist. Ein Ergebnis eines sich bewegenden Prozesses wird deutlich, dass man im Kopf folgen kann. Die Bildtitel der 1940er Jahre, wie “Pasiphä” (1943, NY, Museum of Modern Art (The Museum of Modern Art ist ein Kunstmuseum in Midtown Manhattan in New York City, 53rd Street zwischen Fifth und Sixth Avenues)) und “Totem” (1944, Ridgefield, Connecticut (Ridgefield ist eine Stadt in Fairfield County, Connecticut, USA )) verweisen auf die wesentlichen Quellen, aus denen Pollock seine Kunst schuf: in “Pasiphä (Pasipha ist eine Gattung von Landplanern aus Südamerika)”, der Bezugnahme auf die vom Stier gepaarte mythische Königin, oder in “Totem”, der religiös-kultischen Bezugnahme. Ein weiteres wichtiges Bild dieser Zeit ist “The Guardians of the Secret” (1943, San Francisco , Museum of Art (The San Francisco Museum of Modern Art ist ein Museum für moderne Kunst in San Francisco , Kalifornien )), wo Symbolist (Symbolismus war eine Kunstbewegung französischen, russischen und belgischen Ursprungs aus dem späten 19. Jahrhundert in der Poesie und anderen Künsten) und surreale Referenzen verschmelzen. Diese Bilder drücken das Ergebnis seiner künstlerischen und subjektiven Erfahrungen der letzten Jahre aus. Pollock fand seinen individuellen Weg zum Automatismus (der surrealistische Automatismus ist eine Methode des Kunstmachens, bei der der Künstler die bewusste Kontrolle über den Herstellungsprozess unterdrückt und dem Unbewussten großen Einfluss lässt) in einer Synthese von Vorschlägen von Joan Miro (Joan Miró i Ferrà war ein in Barcelona geborener spanischer Maler, Bildhauer und Keramiker) und André Masson (André-Aimé-René Masson war ein französischer Künstler) . Mit dieser Technik der Aktionsmalerei (Action Painting, manchmal auch “gestische Abstraktion” genannt, ist ein Malstil, bei dem Farbe spontan auf die Leinwand getröpfelt, gespritzt oder verschmiert wird, anstatt sorgfältig aufgetragen zu werden), schuf Pollock komplexe, verflochtene Farbstrukturen, wie in “Cathedral” (1947, Museum of Fine Arts, Dallas). Seitdem sind Pollocks Werke völlig frei und es sind keine Einflüsse anderer Künstler zu erkennen. Entscheidend ist auch der Akt der Malerei, der diesen Stil des Abstrakten Expressionismus (Abstrakter Expressionismus ist eine Kunstrichtung nach dem Zweiten Weltkrieg in der amerikanischen Malerei, die in den 1940er Jahren in New York entwickelt wurde) so bekannt machte. Das fertige Bild ist damit auch das Ergebnis der emotionalen Stimmung des Künstlers und betont die Prozessualität des Malaktes. 1953 malte Pollock großformatige Bilder, in denen er sich wieder der Pinsel- und Spachtelarbeit mit dem Spachtel widmete. Seine letzten Meisterwerke wie “Blü Poles” entstanden. Sein internationaler Ruf war auf dem Höhepunkt, aber zum ersten Mal hatte er keine Einzelausstellung mehr. Sein letztes Ölgemälde “Search” beendete er 1955. Alkoholismus und Depressionen zerstörten ihn langsam und seine Beziehung zu Krasner litt.