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Im 20. Jahrhundert begann die Zeit der “Neuen Musik”. Die Atonalität bricht durch und die Dissonanz erhält eine ganz andere Bedeutung, was für die Menschen dieser Zeit zunächst ein Schock war.
Der Beginn des 20. Jahrhunderts war noch von der Spätromantik geprägt, die bereits 1860 ihren Anfang nahm. Dieser Musikstil verkörpert das Ende der Romantik (die Romantik war eine künstlerische, literarische, musikalische und intellektuelle Bewegung, die ihren Ursprung in Europa gegen Ende des 18. Jahrhunderts hatte und in den meisten Bereichen ihren Höhepunkt in der ungefähren Zeit von 1800 bis 1850 erreichte) und den Beginn und den Umbruch dieser Zeit. So ändert sich insbesondere die Harmonie, wenn die Tonalität erweitert wird und bald zur Atonalität führt. Hauptrepräsentanten waren z.B. Wagner Mahler, Strauss oder Schönberg.
Dies führte um 1890 zur Entwicklung des Impressionismus in Frankreich , viel später als die impressionistische Kunst. Diese Epoche wurde hauptsächlich von Maurice Ravel (Joseph Maurice Ravel war ein französischer Komponist, Pianist und Dirigent) und Claude Debussy (Achille-Claude Debussy, seit den 1890er Jahren bekannt als Claude-Achille Debussy oder Claude Debussy, war ein französischer Komponist) beeinflusst). Die Musik drückt die “Kunst des Klangs und der Farbe ” aus. So fallen farbsprühende Klangbilder auf, in denen die Musik flackert und wellenförmig i
st. Darüber hinaus entwickeln sich die melodischen Gesten und Motive nicht oder werden verarbeitet, sondern entstehen, verändern sich vielfältig in Harmonie und Instrumentierung und lösen sich wieder auf. Auch bei Titeln wird dies wiedergegeben, wie z.B. ?fog? oder ?play of waves? Die Melodie wurde durch Ganzton, Pentatonik (Eine Pentatonik ist eine Musikskala oder ein Modus mit fünf Noten pro Oktave im Gegensatz zu einer heptatonischen Skala wie Dur- und Mollskala), chromatische Melodien beeinflusst. In der Harmonik gibt es Dissonanzen ohne Auflösung, die jedoch verschoben werden, oder auch übermäßige Dreiklänge. Es ist auch typisch, dass der metrische Schwerpunkt verschleiert ist und das erste Viertel der Zeit oft weggelassen oder gebunden wird. Es gibt oft Duelle oder Drillinge. Die
Klangfarbe wird durch eine sensible Färbung definiert, die sowohl die Orchestrierung als auch die und Klavier.
Der Expressionismus entstand um 1900 als Gegenbewegung dazu. Dies war Ausdruck der Krise der jüngeren Generation und in spiritueller, gesellschaftspolitischer und kultureller Hinsicht. Die Musik sorgte für den Aufruhr und den Aufruhr. Wichtige Komponisten waren Ferruccio Busoni (Ferruccio Busoni war ein italienischer Komponist, Pianist, Dirigent, Herausgeber, Autor und Lehrer) und Arnold Schönberg. Die Rekreation schaffte starre Kompositionsregeln ab und schuf die Freiheit der Atonalität. Dissonanzen und wilde Rhythmen prägten die Musik und ein Tonzentrum (in der Musik ist das Tonikum der erste Skalengrad einer diatonischen Skala und der Tonzentrums- oder Endauflösungston, der in der Schlusskadenz in der tonalen Klassik, Volksmusik und traditioneller Musik üblich ist) entstand in den Harmonischen. Ein typisches Beispiel ist das Allegro barbaro (Allegro barbaro, BB 63 (Sz), das hämmernde und motorische Rhythmen sowie kraftvolle Akkorde und extreme Dynamik enthält. In allgemein, ein schneller Wechsel der melodischen Richtungen, das Nebeneinander dissonanter Harmonien, Unruhe der Motive, Wechsel der Homophonie (In der Musik ist Homophonie eine Textur, in der ein primärer Teil von einem oder mehreren zusätzlichen Strängen getragen wird, die die Harmonie ausfüllen und oft rhythmischen Kontrast liefern) und linear (Linearität ist die Eigenschaft einer mathematischen Beziehung oder Funktion, was bedeutet, dass sie grafisch als gerade Linie dargestellt werden kann) Teile (Polyphonie), Vorliebe für scharfe Intervalle, großen Tonumfang (Ambitus (Dieser Artikel behandelt die Verwendung von Ambitus im Mittelalter, für andere Anwendungen, siehe Stimmumfang))) und Rhythmusfreigabe (polyrhythmisch). waren üblich bei expressionistisch Musik.
Weitere Jahrzehnte später entstand die Neü Wiener Schule mit Atonalität und Zwölftonmusik. In der freien Atonalität emanzipierte sich die Dissonanz und wurde erst gleichberechtigt und schließlich dominant. Alle zwölf Töne werden verwendet und auf eine bestimmte Weise miteinander verbunden oder bespannt. In der freien Atonalität gibt es keinen harmonischen Mittelpunkt oder Grundton. Auch Tonarten, Tonarten oder tonale Referenzen fehlen. Freiheit und Beliebigkeit dominieren. Die Vertreter dieser Epoche waren Anton Weber, Alban Barg und überraschenderweise Schönberg. Zwölftonmusik oder Dodekaphonie besteht aus bestimmten Regeln bezüglich Tonhöhe oder Intervallen. Schönberg (Arnold Franz Walter Schoenberg oder Schönberg war ein österreichischer Komponist, Musiktheoretiker und Maler) erfand Seqünzen, basierend auf sogenannten Zwölftonreihen, in denen alle zwölf Töne einer Oktave (eine Oktave oder perfekte Oktave ist in der Musik das Intervall zwischen einer Tonhöhe und einer anderen mit halber oder doppelter Frequenz) gleich oft vorkommen sollten. So waren alle Töne gleich. Zwölftonmusik beschreibt also eher eine neue Technik als einen “Ersatz” für die Tonalität, eher als einen Musikstil.
Unter Strawinski und Hindemith entstand um 1920 der Neoklassizismus (Neoklassizismus ist der Name für westliche Bewegungen in den Bereichen Kunstgewerbe, Literatur, Theater, Musik und Architektur, die sich an der “klassischen” Kunst und Kultur des antiken Griechenland oder des antiken Roms orientieren). Dies sollte eine kreative “Pause” ausdrücken. Diese Periode würde durch den Ersten Weltkrieg (Erster Weltkrieg , auch bekannt als Erster Weltkrieg , Erster Weltkrieg oder Krieg zur Beendigung aller Kriege, war ein globaler Krieg mit Ursprung in Europa, der vom 28. Juli 1914 bis 11. November 1918 andauerte) und die Nachkriegszeit geprägt sein. Sie versuchten, neue Musik mit alter Klarheit und Schönheit zu verbinden. Die Kompositionen galten als Meister aller Leistungen früherer Epochen mit festen und schönen Formen. So wurden Werke des 17. und 18. Jahrhunderts oft mit neuen Instrumenten und anderen Harmonien neu geschaffen. So ist in der Symphonie ‘Mathis der Maler (Mathis der Maler ist eine Oper von Paul Hindemith) ‘ von Hindemith, der SHF, Zahlensymbolik, Instrumentierung, Polyphonie (In der Musik ist Polyphonie eine Art von musikalischer Textur, bei der eine Textur im Allgemeinen die Art und Weise ist, wie melodische, rhythmische und harmonische Aspekte einer musikalischen Komposition kombiniert werden, um den Gesamtklang und die Qualität des Werkes zu prägen), thematische Motivarbeit alt geblieben. Aber die freie Tonalität, die Choraleinführung und die freie Arbeit mit den acht Takten wurden hinzugefügt.
Nach dem Zweiten Weltkrieg (Zweiter Weltkrieg , auch bekannt als Zweiter Weltkrieg , war ein globaler Krieg, der von 1939 bis 1945 andauerte, obwohl die damit verbundenen Konflikte früher begannen), entwickelte sich die Zwölftonmusik weiter zur seriellen Musik (Serialismus ist in der Musik eine Methode oder Technik der Komposition, die eine Reihe von Werten zur Manipulation verschiedener musikalischer Elemente verwendet) durch Karlheinz Stockhausen (Karlheinz Stockhausen war ein deutscher Komponist, von der Kritik als einer der wichtigsten, aber auch umstrittensten Komponisten des 20. und frühen 21. Jahrhunderts anerkannt) und Pierre Boulez (Pierre Louis Joseph Boulez CBE war ein französischer Komponist, Dirigent, Autor und Organisator von Institutionen) . Die Stücke bestehen aus einer Reihe von Zahlen mit 12 Werten, wobei jede Zahl musikalische Parameter wie Tonnamen, Rhythmen, Lautstärke und andere repräsentiert. Im Gegensatz dazu entstand das zufällig beschriebene Alea?tonic um 1957. Der Komponist entwickelt verschiedene Kompositionen und der Interpret muss die Reihenfolge frei wählen und die Richtung selbst bestimmen. Sie ist nur von der Detailstruktur betroffen. Es gibt drei verschiedene Methoden der Zusammensetzung. So kann der Komponist beispielsweise Details festlegen oder Rahmen und Struktur definieren. Und die dritte Möglichkeit ist, dass der Komponist dem Interpreten bestimmte Handlungsimpulse gibt, wobei die Realisierung frei ist. Unser diskutiertes Beispiel aus dem Unterricht heißt “Klavierstück”. von Stockhausen. In 19 kleinen Einzelgruppen wurden die Notizen auf einen großen Karton geschrieben und der Pianist beginnt mit dem Teil, der ihm in die Augen fällt. Die folgende Gruppe ist immer durch das Tempo und die Lautstärke des zuvor gespielten Teils begrenzt. Um 1960 suchte György Ligeti (György Sándor Ligeti war ein ungarischer Komponist der zeitgenössischen klassischen Musik) im Gegensatz zu früheren Komponisten nach Klang und begann mit Klangflächen zu arbeiten. So verschmolzen einzelne Töne zu einem breiten Rauschband, dem sogenannten Cluster. Es gibt stehende, statische Cluster, stehende Cluster mit inneren Bewegungen und auch komplett bewegliche Cluster. Das Stück Atmosphères für ein großes Orchester ist ein typisches Beispiel. Nur wenige Jahre später erschien Minimal Music (Minimal Music ist eine Form der Kunstmusik, die begrenzte oder minimale musikalische Materialien verwendet) in den USA . Diese besteht aus einfachen Melodien und Rhythmen, die Struktur ist ebenfalls leicht. Vor allem sind es einheitliche Sequenzen und Wiederholungen. Dies führt zu einem rhythmischen und melodischen Klangkontinuum. Auch die indische Musik und Philosophie hatte einen großen Einfluss auf diese Art von Musik. Weitere musikalische Beispiele des 20. Jahrhunderts sind Werke von Wolfgang Rihm (Wolfgang Rihm ist ein deutscher Komponist), wie beispielsweise “Raumauge”. Dabei sollte die ungenutzte Grenze zwischen Klang, Lärm, Gesang, Sprechen und Schreien ausgenutzt werden. Es wurde für einen Chor und Schlagzeug geschrieben. So entstand etwas ganz anderes, das das Publikum begeisterte. Gegen Ende des 20. Jahrhunderts wurde die elektronische Musik (Elektronische Musik ist Musik, die elektronische Musikinstrumente und elektronische Musiktechnologie in ihrer Produktion einsetzt, ein elektronischer Musiker ist ein Musiker, der solche Musik komponiert und/oder aufführt) auch bei neuen Instrumenten populär, darunter Komponisten wie Stockhausen, Eimert und Schäffer. Hinzu kamen völlig neue und atypische Schreibweisen. Eines dieser Instrumente ist die “Musiqü concrète”. Diese bestand aus einer Kombination von bekannten, konkreten Klängen, die in einer Klangmasse nicht mehr zu erkennen waren. Zusammenfassend lässt sich sagen, dass das 20. Jahrhundert von vielen Entwicklungen und Gegenbewegungen in der Musik gelebt hat. Die Musik ist sehr vielfältig und zu dieser Zeit war sie neu und anders. Dies hat das Publikum begeistert und die Komponisten ermutigt, weiterhin neue Werke zu erfinden. Also sehe ich diese musikalische Entwicklung als eine große Kunst. Es wurde wenig kopiert oder gedeckt, wie es in der heutigen Musik üblich ist. Die Menschen waren noch kreativer und drückten ihre Gedanken aus. Trotz beider Weltkriege ließ sich die Menschheit nicht erschüttern und führte immer wieder neue Musikepochen ein. Auch wenn ich die Entwicklung bewundere, mag ich die Musik nicht, also möchte ich sie regelmäßig hören. Für mich ist das Schöne und Interessante nur die Komposition und das Schema. Gerade mit der Musik in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts kann ich nichts machen, weil sie zu speziell und anders ist. Viele Stücke sind monoton und können vom Laien nur als Klang angesehen werden, z.B. Sound Surface Music. Ich mag auch nicht die starke Dissonanz von Zwölftonmusik und Atonalität (Atonalität im weitesten Sinne ist Musik, der ein tonales Zentrum oder eine Tonart fehlt). Ich finde es schade, dass man erst nach langen Recherchen und wiederholtem Hören merkt, was der Komponist im Sinn hatte und sagen will, aber das Stück klingt unhörbar.