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Avantgardismus
Der Versuch, aus der Kunst als Kunst auszubrechen
Historischer Hintergrund
Zur Jahrhundertwende war die Industrialisierung in Europa in vollem Gange. Unternehmen, Industrien und Automobile eroberten langsam aber sicher das Bild der Städte. Riesige Schornsteine rauchten und verschmutzten die Luft überall. Genau wie die Autos, die über die Straßen rasseln. Obwohl der eine von dieser Entwicklung tief beeindruckt war, hatte der andere das Gefühl, dass sich die Welt in einen riesigen Müllhaufen zu verwandeln schien.In dieser Zeit schien die fortschreitende Abstraktion und Gegenstandslosigkeit die Entwicklung der Kunst zu bestimmen.
Kubismus
uskubismus hat seinen Namen von dem lateinischen Wort Cubus ( = Würfel). Sie steht für ein Prinzip dieses Gemäldes: die Reduktion der Bildobjekte auf Grundformen wie Würfel, Kegel, Pyramiden, Zylinder und Sphären, deren entscheidende Impulse der Kubismus Paul Cèzanne verdankt. Cèzanne hatte versucht, die impressionistische Malweise fortzusetzen, indem sie die Auflösung des Bildmotivs mit nuancierten Farbnuancen durch Licht und Luft darstellte. Dabei ging es ihm auch darum, die Bildobjekte auf das Wesen ihrer Formen zurückzuführen. Cèzannes Grundlagen wurden von den Kubisten aufgegriffen.
Les Demoiselles d`Àvignon (Les Demoiselles d’Avignon ist ein großes Ölgemälde des spanischen Künstlers Pablo Pica
sso) (1907) von Pablo Picasso (spanischer Maler, Grafiker und Bildhauer, *25.10.1881 – + 8,4.1973), das zu Ehren von Cèzanne (Paul Cézanne war ein französischer Künstler und postimpressionistischer Maler, dessen Werk den Grundstein für den Übergang von der künstlerischen Konzeption des 19. Jahrhunderts zu einer neuen und radikal anderen Kunstwelt des 20. Jahrhunderts legte), gilt als das Grundbild des Kubismus.Man sieht fünf lebensgroße Frauen, die beiden Frauengesichter auf der rechten Seite nehmen die Form von afrikanischen Masken an. Zusammen mit Georges Braqü (französischer Maler und Grafiker, *13.5.1882 – + 31.8.1963) entwickelte Picasso in den folgenden Jahren erstmals die Methodik des analytischen Kubismus. Der Kubismus verdankt seinen Ursprung keiner Theorie. Der Übergang von einem skulpturalen Raum zum anderen geschah fast unmerklich durch eine logische, aber nicht abgestimmte Abfolge progressiver technischer Schritte, die Picasso und Braqü im Laufe der Zeit dazu veranlasste, die traditionellen Grundlagen der Kunst in Frage zu stellen.
George Braqü sagte über sein Gemälde Grande Nü Female Nude und seine und Picassos Arbeit in einem Interview im Jahre 1908: Ich will eine Frau nicht in ihrer ganzen natürlichen Schönheit darstellen.Ich habe nicht die Fähigkeit dazu. Niemand hat sie. Ich muss also eine neue Art von Schönheit schaffen, die mir als Volumen, Linie, Masse, Gewicht erscheint. Durch diese Schönheit reflektiere ich meinen subjektiven Eindruck. Die Natur ist nur ein Anlass für eine malerische Komposition, zu der das Gefühl kommt. Die Natur regt ein Gefühl an und ich habe dieses Gefühl in Kunst umgesetzt. Ich möchte das absolute Aussehen der Frau offenbaren, nicht nur ihr Äußeres.
Der Kubismus ist in verschiedene Stadien unterteilt:
– Früher Kubismus ( 1907 1909 )
– Analytischer Kubismus ( 1910 1912), Herkunft der Collagen ( um 1912
– Synthetischer Kubismus ( 1913 1914
– Orphischer Kubismus ( seit 1912
Früher Kubismus ( 1907 1909 )
Die frühen kubistischen Bilder zeigen noch eine gewisse Nähe zur Natur, Auch die Konturen sind noch nicht vollständig aufgelöst, nur der räumlich plastische Illusionismus ist bereits abgefallen.
Wir haben aus der traditionellen Kunst gelernt, dass der Künstler bestimmte Bildmittel auswählt und entsprechend dem jeweiligen Thema einsetzt. Dazu gehören Linien, Konturen, Formen, Farbflecken, Schattierungen usw. Solange die kubistischen Grundformen lediglich auf der Grundlage mimetischer Darstellungen zitiert werden, so dass der Betrachter die Möglichkeit hat, direkt optisch am Prozess der Entstehung und Entwicklung der eigenständigen Bildmittel der Kunst teilzunehmen, sollte man vom frühen Kubismus sprechen.Innerhalb der Werkgeschichte geht die Phase des frühen Kubismus zu Ende, in der der einzelne Künstler seine Orientierung an der Nachahmung aufgibt und sich bei der Zusammenstellung und Anordnung des vorhandenen kubistischen Grundwortschatzes an selbst generierten Ordnungsregeln orientiert.
Analytischer Kubismus ( 1910 1912 )
Um das Jahr 1910 fand die erste große Revolution der Kunst des 20. Jahrhunderts statt, die viel radikaler war als die der Impressionisten,
Hiermit wurde auch der endgültige Bruch mit der klassischen, traditionellen Kunst beschlossen. Auf ihrem malerischen Weg zur Abstraktion haben die meisten Künstler das ganze Bild mit all seinen Details eins gemacht. Auf kleinere Objekte wurde nicht viel Wert gelegt. Die kubistischen Künstler wollten jedoch das Volumen der verschiedenen Objekte nicht durch Licht und Schatten, sondern durch Fläche veranschaulichen. In der realen Welt betrachtet man ein Objekt und damit seine Form und sein Volumen aus verschiedenen Winkeln und Entfernungen, indem die Kubisten die Ansichten des Objekts multiplizieren und in ihren Bildern nebeneinander und ineinander verschachtelt darstellen. So kann man es aus verschiedenen Blickwinkeln gleichzeitig betrachten. Das heißt, das Objekt wird analysiert (“zerlegt”). Daher der Name des analytischen Kubismus, aber wenn man ein Objekt aus verschiedenen Blickwinkeln betrachtet, bewegt man sich auch um es herum und das erhöht die Zeit. So versuchten Künstler wie Picasso, ihre Kunstwerke in vier statt in drei Dimensionen zu schaffen. Als vierte Dimension führen sie die Zeit ein.Dieser neue vierdimensionale Raum (Ein vierdimensionaler Raum oder 4D-Raum ist die einfachste Verallgemeinerung der Beobachtung, dass man nur drei Zahlen, genannt Dimensionen, benötigt, um die Größen oder Orte von Objekten in der Alltagswelt zu beschreiben) und Zeit (in der Physik, Raumzeit ist jedes mathematische Modell, das Raum und Zeit zu einem einzigen verwobenen Kontinuum verbindet), wurde das Bewusstsein von Albert Einstein (Albert Einstein war ein in Deutschland geborener theoretischer Physiker) Relativitätstheorie (Die Relativitätstheorie umfasst normalerweise zwei miteinander verwandte Theorien von Albert Einstein : spezielle Relativitätstheorie und allgemeine Relativitätstheorie ) und sein Nachweis der Äquivalenz von Masse und Energie (In der Physik besagt die Massen-Energie-Äquivalenz, dass alles, was Masse hat, eine äquivalente Menge an Energie hat und umgekehrt, wobei diese fundamentalen Größen durch Albert Einsteins berühmte Formel direkt miteinander in Beziehung stehen:).Da den Künstlern die flache Darstellung der Bände am wichtigsten war, rückte die Farbe immer mehr in den Hintergrund. Die Bilder waren meist in Ocker-, Grau- und Grüntönen gehalten, wobei keine besondere Betonung auf die tatsächlichen Farben eines Objekts gelegt wurde.
Entwicklung kubistischer Collagen ca. 1911 / 12
Collage (französische Collagen) colle : Kleber; Collager: glue ) wurde von Georges Braqü und Pablo Picasso (Pablo Ruiz y Picasso, auch bekannt als Pablo Picasso, war ein spanischer Maler, Bildhauer, Grafiker, Keramiker, Bühnenbildner, Dichter und Dramatiker, der die meiste Zeit seines erwachsenen Lebens in Frankreich verbrachte) als Papier-Collés (= geklebte Papiere) in die Kunst eingeführt. Eine Vorstufe dazu waren die Buchstaben, die in eine gemalte Bildfläche eingefügt wurden. Dieser Nachahmungsstil wurde später von vielen Künstlern, insbesondere den Surrealisten, übernommen. Nachdem Picasso und Braqü in ihren Arbeiten zunächst Holz, Stein, Papiertapete usw. malerisch imitiert hatten, erkannten sie, dass es viel einfacher war, dieses Stück Papier oder Holz selbst auf ein Bild zu kleben. Außerdem kam dies der gewünschten Naturnähe am nächsten. So wurden die Bilder auch perspektivisch.
Braqü war wohl der erste, der in seinen Kompositionen auch Buchstaben und Zahlen malte, um das Ganze emotional aufzulockern, nun wuchs das Interesse an Farbinformationen wieder. Es wurde jedoch versucht, den Farbauftrag in Materie umzuwandeln und z.B. Sägemehl, Sand oder Metallspäne in die Farbe zu mischen, was auch die Aufmerksamkeit auf unterschiedliche Darstellungsweisen von Wahrnehmung und Sein lenken sollte. Durch die Verwendung unterschiedlicher Materialien in Collagen durchbrachen Braqü und Picasso die materielle Verbindung der Bildoberfläche und durchbrachen die Grenze zwischen dem Kunstwerk und seiner Umgebung. Die bis dahin gültigen Grenzen der Kunst wurden also nicht von abstrakten Malern, sondern von den Kubisten durchbrochen. In den folgenden Jahren spielten Collagen eine ebenso wichtige Rolle wie Ölbilder. Braqü verband die Klebeteile auf der Bildfläche meist mit Zeichnungen. Ölfarben wurden immer seltener verwendet. Eine der wichtigsten Entwicklungen in dieser neu gefundenen Technik war die Entdeckung, dass Form und Farbe gleichzeitig auftraten, aber im Grunde nichts miteinander zu tun haben, so dass sie getrennt werden können. Das Ende der Collagen wird durch den Ausbruch des Ersten Weltkriegs verursacht. Gleichzeitig hörten Picasso und Braqü auf, zusammenzuarbeiten und gingen fortan getrennte künstlerische Wege.
Synthetischer Kubismus ( 1913 1914 )
Synthetischer Kubismus entstand parallel zur Collage und folgte dem entgegengesetzten Weg als Analytischer Kubismus. Ausgangspunkt waren abstrakte Formen, während sie im Analytischen Kubismus konkrete Objekte waren. Juan Gris (José Victoriano González-Pérez, besser bekannt als Juan Gris, war ein in Madrid geborener spanischer Maler und Bildhauer, der den größten Teil seines Lebens in Frankreich lebte und arbeitete) (von Josè Gonzales, span. Maler, Bühnenbildner und Illustrator;
*23.31887 + 11.5.1927 ) spielte eine wesentliche Rolle bei der Entwicklung des Synthetischen Kubismus, er etablierte zwei Grundprinzipien des Synthetischen Kubismus. Die beiden Grundprinzipien des Kubismus sind die Rückkehr der Farbe als Gestaltungselement und die Klärung abstrakter Bildkompositionen durch die Einführung von Objekten. Die Farbe ist nicht mehr an das Objekt gebunden und somit unabhängig von den Einschränkungen der lokalen Farbe. Nach der grau-grauen Malerei der analytischen Zeit stellen die Arbeiten von 1913 und 1914 mit ihren lebendigen Farben oft wahre Augenweide dar.
Orphischer Kubismus ((seit 1912)
Robert Delaunay (Robert Delaunay war ein französischer Künstler, der mit seiner Frau Sonia Delaunay und anderen), Mitbegründer der Kunstrichtung Orphismus, die sich durch starke Farben und geometrische Formen auszeichnet (französischer Maler und Grafiker); *12.4.1885 – + 25.10.1941) ist der wichtigste Vertreter des orphischen Kubismus; seine Vorbilder waren die Neoimpressionisten und die Fauvisten (Fauvismus ist der Stil von les Fauves, einer losen Gruppe moderner Künstler des frühen 20. Jahrhunderts, deren Werke die malerischen Qualitäten und die starke Farbe über die vom Impressionismus erhaltenen gegenständlichen oder realistischen Werte stellen). Charakteristisch für den Orphismus ist die Eingliederung der reinen prismatischen Farbe in die Struktur des kubistischen Bildes (d.h. Farbe ist für ihn eine Funktion des Lichts, seine Farben sind die des Prismas), die der strenge Kubismus fast monochrom gehalten hatte. Das Einfügen von Farbfolgen und Farbkontrasten in der gesamten Breite des Farbkreises in die kubistische Konstruktion ist das entscheidende formale Unterfangen des Orphismus (Orphismus oder orphischer Kubismus, ein Begriff, der 1912 vom französischen Dichter Guillaume Apollinaire geprägt wurde, war ein Ableger des Kubismus, der sich auf reine Abstraktion und leuchtende Farben konzentrierte, beeinflusst vom Fauvismus, den theoretischen Schriften von Paul Signac, Charles Henry und dem Farbstoffchemiker Eugène Chevreul); erweitert es den poetischen Inhalt des kubistischen Bildes immens.
Wie die Futuristen ist Delaunay begeistert von der modernen Welt der Technik; er will die Geschwindigkeit von Maschinen oder sich bewegenden Menschen visuell erlebbar machen, indem er Farbflächen überlagert und verwischt.
Futurismus
Italienischer Futurismus
Die im Wesentlichen italienische literarische, künstlerische und politische Bewegung des Futurismus hat ihren Namen vom lateinischen Futurum (Zukunft). Die historische, kulturelle, politische und wirtschaftliche Entwicklung der europäischen Länder hatte um die Jahrhundertwende einen starken Einfluss auf ihre künstlerische Entwicklung: Der 1861 gegründete italienische Staat war im Gegensatz zu Deutschland , Frankreich und Großbritannien eines der rückständigsten Länder Europas. Einige moderne Künstler mochten diese Rückständigkeit überhaupt nicht und blickten nach Paris, das für sie das Zentrum der Moderne war. Deshalb haben einige dieser Künstler, wie der Dichter Filippo Tommaso Marinetti, in Paris Aufmerksamkeit erregt. Marinetti veröffentlichte dort sein erstes Buch The Conquest of the Stars und gründete 1905 eine Zeitschrift. Er war ein Liebhaber des technischen industriellen Fortschritts. 1908 beschloss Marinetti, eine Bewegung zur Erneuerung des Weltbildes zu gründen und gab ihr 1909 den Namen Futurismus. Er fand bald viele Anhänger und sie schwärmten vom Lärm und Schmutz der Fabriken und Autos. Sie sagten, sie hörten den Ruf der Zukunft. Am Anfang war die Kunst des Futurismus nur Marinettis Poesie, die den Fortschritt und die Dynamik der Industrialisierung verherrlichte. Die Futuristen distanzierten sich auch mit Gewalt von der Vergangenheit und der traditionellen Kunst und hätten es vorgezogen, sofort in der Zukunft zu leben. Sie mochten harte, geknallte und schmutzige Dinge, wie den Schlag ins Gesicht, die Fabrik, den Krieg und so weiter. Für sie musste ein Kunstwerk einen gewissen aggressiven Charakter haben. Bald schlossen sich junge Maler der Bewegung von Marinetti an. Aber sie wussten nicht, wie sie die futuristischen Ideen in Kunst umsetzen sollten. So machten sie sich den Divisionismus zunutze (Divisionismus war der charakteristische Stil in der neoimpressionistischen Malerei, der durch die Trennung von Farben in einzelne Punkte oder Flecken definiert wurde, die sich optisch gegenseitig beeinflussten) (ein anderer Begriff für Pointilismus (Pointillismus ist eine Maltechnik, bei der kleine, deutliche Farbpunkte in Mustern zu einem Bild verarbeitet werden)), eine moderne, zukunftsorientierte Malweise, die von der Kurve inspiriert wurde. Der Symbolist Giovanni Segantini (Giovanni Segantini war ein italienischer Maler, der für seine großen Hirtenlandschaften der Alpen bekannt war) wurde gut behandelt. Eines der ersten futuristischen Gemälde war Das Geräusch der Straße durchdringt das Haus (1911) von Umberto Boccioni (Umberto Boccioni war ein einflussreicher italienischer Maler und Bildhauer). 1911 sprach Marinetti in Paris über die Zukunft Italiens. Er wollte alles voll automatisiert und elektrifiziert haben (Flugzeuge, Kilowattstunden, etc.), wobei er sehr an das Wohlergehen seiner Mitbürger dachte. Im selben Jahr forderte Boccioni, dass die Futuristen nicht die Natur oder ein Objekt malen oder darstellen sollten, sondern Bewegung und Geschwindigkeit. Da die italienischen Künstler jedoch nicht wussten, wie sie diese Ideen umsetzen sollten, riet ihnen der in Paris lebende Maler Gino Severini (Gino Severini war ein italienischer Maler und ein führendes Mitglied der futuristischen Bewegung), sich in Paris zu orientieren. Hier, bei den Kubisten, lernten sie Wege zur Umsetzung ihrer Ideen kennen.
Die Futuristen liehen sich ab diesem Zeitpunkt Designwerkzeuge aus dem Kubismus und wurden auch von Fotografen wie Edweard Muybridge beeinflusst (Eadweard Muybridge war ein englischer Fotograf, der für seine bahnbrechenden Arbeiten im Bereich der Bewegungsfotografie und frühen Arbeiten in der Filmprojektion wichtig war). Es war ihm gelungen, verschiedene Stadien einer Bewegung auf einem Foto festzuhalten, indem er sie übereinander gelegt hatte. Ebenso versuchten die Futuristen, die zeitliche Abfolge in einer Handlung im Bild durch Überlagerung, Durchdringung und Gegenüberstellung auszudrücken. Doch trotz allem blieben sie Symbolisten (der Symbolismus war eine Kunstbewegung französischer, russischer und belgischer Herkunft in der Poesie und anderen Künsten), da sie versuchten, ihre Ideen der Neun zu repräsentieren und nicht zu verwirklichen.Boccioni wandte das futuristische Design auch auf die Skulptur an. Er war auch der erste Futurist, der nicht-künstlerische Materialien und Objekte in seine Skulpturen integrierte, die er von Kubisten wie Braqü kopiert hatte. Als der Erste Weltkrieg (Erster Weltkrieg , auch bekannt als Erster Weltkrieg , Erster Weltkrieg oder Krieg zur Beendigung aller Kriege, ein weltweiter Krieg, der vom 28. Juli 1914 bis 11. November 1918 dauerte), den die Futuristen als einzige Hygiene in der Welt begrüßten, begann, brach ihre Bewegung zusammen.Die futuristische Bewegung hatte einen sehr einflussreichen Einfluss auf die Entwicklung der Moderne, wie der Expressionismus (der Expressionismus war eine modernistische Bewegung, zunächst in Poesie und Malerei, zu Beginn des 20. Jahrhunderts in Deutschland entstanden), der Dadaismus (der Dadaismus war eine Kunstbewegung der europäischen Avantgarde Anfang des 20. Jahrhunderts, mit frühen Zentren in Zürich, Schweiz im Cabaret Voltaire, in New York und nach 1920 in Paris), Surrealismus (Surrealismus ist eine kulturelle Bewegung, die in den frühen 1920er Jahren begann und vor allem für ihre visuellen Kunstwerke und Schriften bekannt ist) und Konstruktivismus (Konstruktivismus war eine künstlerische und architektonische Philosophie, die 1913 von Vladimir Tatlin in Russland entstand).
des russischen Futurismus ( und die Entstehung des Suprematismus )
Selbst in Russland, das sich in einer ähnlichen Phase der Industrialisierung und Modernisierung wie Italien befand, war der Stand der Technik in Paris um die Jahrhundertwende orientiert. In Moskau und St. Petersburg gab es damals eine lebendige und moderne Kunstszene, der Kubismus hatte auch seinen Weg in die russische Malerei gefunden, sich aber schnell mit dem italienischen Futurismus vermischt. Deshalb wurde die gesamte Moderne (der Modernismus ist eine philosophische Bewegung, die zusammen mit kulturellen Trends und Veränderungen aus weitreichenden und tiefgreifenden Veränderungen in der westlichen Gesellschaft während des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts entstanden ist) bald als futuristische Kunst bezeichnet. Dieser russische Futurismus, der Kubofuturismus (der Kubofuturismus war die Hauptschule der Malerei und Bildhauerei der russischen Futuristen), brachte Modernität, Bewegung und Dynamik in die primitivere, bodenständige Kunst (Land Art, Erdarbeiten oder Erdkunst ist eine Kunstbewegung, in der Landschaft und Kunstwerk untrennbar miteinander verbunden sind). Maler wie Alexandra Exter (Aleksandra Aleksandrovna Ekster, auch bekannt als Alexandra Exter, war eine russische Malerin und Designerin von internationalem Format, die ihr Leben in Kiew, St. Petersburg und Kiew teilte. Petersburg, Moskau, Wien und Paris) und Natalia Gontscharowa (Natalia Sergejewna Gontscharowa war eine russische Avantgarde-Künstlerin, Malerin, Kostümbildnerin, Schriftstellerin, Illustratorin und Bühnenbildnerin) wollten die Rückständigkeit Russlands überwinden.Im Sommer 1913 fand der erste allrussische Futurist (der russische Futurismus war eine Bewegung russischer Dichter und Künstler, die die Prinzipien von Filippo Marinettis “Futuristischem Manifest” übernahmen) Kongress statt, auf dem unter anderem beschlossen wurde, ein futuristisches Theater namens Zukunft zu eröffnen. Bei der ersten Vorstellung mit dem Titel Sieg über die Sonne entwarf Kasimir Malewitsch (Kasimir Sewerinowitsch Malewitsch war ein russischer Maler und Kunst) die Ausrüstung. Er stellte 1915/16 in St. Petersburg aus (St. Petersburg ist nach Moskau die zweitgrößte Stadt Russlands mit fünf Millionen Einwohnern im Jahr 2012 und ein wichtiger russischer Hafen an der Ostsee), auf der Last Futurist Exhibition (Die letzte futuristische Ausstellung von Gemälden 0,10 wurde vom Dobychina Art Bureau in Marsovo Pole, Petrograd, vom 19. Dezember 1915 bis 17. Januar 1916 präsentiert) Gemälde, die er im Stil des Suprematismus gemalt hatte, den er nun erfunden hatte und der die höchste Stufe des Realismus sein sollte. Das Markenzeichen von Malewitsch und seinen Anhängern ist das schwarze Quadrat auf weißem Grund. Seine Definition von Suprematismus (Suprematismus ist eine Kunstbewegung, die sich auf geometrische Grundformen wie Kreise, Quadrate, Linien und Rechtecke konzentriert, die in einer begrenzten Farbpalette gemalt wurden) war: Der Realismus der abstrakten Welt des weißen Nichts.
Musik:
Die alte Syntax und Grammatik, die Formeln und die Tonalität wurden aufgelöst; dieser Bruch ist bei Schönberg am deutlichsten zu erkennen. Die Zeit der ländlichen oder ländlichen heroischen, altmodischen Musik war vorbei.
Sie wollten Alltagsklänge in die Musik integrieren und die Klangmittel überhaupt emanzipieren. Auch der Bau von Klang- und Perkussionsinstrumenten, der in der europäischen Kunstmusik bisher relativ unbeachtet geblieben war, wurde gefördert (“Klangkunst”). Die Klänge der Massen, der großen Industrieunternehmen, der Züge, der Ozeanriesen, der Panzer, der Autos und der Flugzeuge sollten eine große Rolle in der futuristischen Musik spielen. So präsentierte er 1913 einen so genannten Noise-Hochtöner, mit dem er alle Arten von Lebensklängen erzeugen konnte und diese musikalisch gestalten wollte. Aber einige Traditionen blieben in ihm: er schuf Arten von Kompositionen und systematisierte die Klänge.
Poesie:
In der Literatur war der Futurismus der Name von Filippo Tommaso Marinetti, der versuchte, die Logik der Sprache, besonders in der Poesie, wegzunehmen. Es sollte nur ein Tonträger und Symbol sein. Substantive wurden ohne Adjektive aneinandergereiht, Verben waren grundsätzlich im Infinitiv (Infinitiv ist ein grammatikalischer Begriff, der sich auf bestimmte Verbformen bezieht, die in vielen Sprachen existieren, meist als nicht-endliche Verben verwendet werden), Grammatik und Interpunktion wurden außer Acht gelassen, es gab kein Ego, keine Subjektivität, die durch die Vergangenheit belastet wurde. Es gab keine Erzählung, keine Stagnation, nur Aktivität, die in der Zerstörung endete. Nicht das Verstehen war wichtig, sondern der unmittelbare Ausdruck der Klangeindrücke, die sich den musikalischen Werten nähern sollten.
Filippo Tommaso Marinetti (Filippo Tommaso Emilio Marinetti war ein italienischer Dichter, Herausgeber, Kunsttheoretiker und Gründer der futuristischen Bewegung) ( 1912 ):
Battle: Gewicht und Geruch Noon ¾ Flöte Stöhnen feurige Hitze bumbum alarm
Gargaresch Knistern marschieren clang satchel Gewehre Hufe Nägel Kanonen mane
Räder Boxen Juden Schmalzgebäck Öl Kuchen kantilene kramladen haze cloudsshimmer
Auge Butter stinken Zimt Schimmel Flut und Ebb PfefferAufrauhender Schmutz wirbelt
blühender Orangenbaum filigran elend Würfel Schachfiguren Karten Jasmin und Muskat Und Rosenarabeske (Die Arabeske ist eine Form der künstlerischen Dekoration, bestehend aus “Oberflächendekorationen, die auf rhythmischen linearen Mustern des Scrollens und Verflechtens der Blätter basieren, Ranken” oder schlichte Linien, oft kombiniert mit anderen Elementen) Mosaik aas verpfuscht…
Worterklärungen:
Futurum Future
Imitation Imitation
Kompositionen Zusammensetzung; Struktur und. Gestaltung eines Kunstwerkes
Mimetisches Imitieren
Monochrom monochrom monochrom
Nuance fine difference; Feinheit; kleines Detail
Prisma Lichtbrechungskörper
prismatisch Lichtbrechung
Subjektivität persönliche Meinung, Individualität; Einseitigkeit
Referenzen:
– Herder Enzyklopädie
– Kunstlexikon
– Malerei im 20. Jahrhundert
– Arte
– Geschichte der Malerei (Die Geschichte der Malerei reicht zurück bis zu Artefakten prähistorischer Menschen, und umfasst alle Kulturen) im 20. Jahrhundert
– Studentduden Art
– Kubismus (Kubismus ist eine avantgardistische Kunstbewegung des frühen 20. Jahrhunderts, die die europäische Malerei und Skulptur revolutionierte, und inspirierte verwandte Bewegungen in Musik, Literatur und Architektur) und Futurismus
– Futurismus (Futurismus war eine künstlerische und soziale Bewegung, die ihren Ursprung in Italien im frühen 20. Jahrhundert hatte): Kunst und Leben
– Das 19. und 20. Jahrhundert Bertelsmann GmbH